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Les années 30 sont les années du passage au parlant, et de ses multiples conséquences (double-programme avec série B aux USA, reconfiguration des genres…). Outre le cinéma hollywoodien, frappé en 1934 par un code de censure aux innombrables répercussions esthétiques, la décennie est marquée par l’âge d’or classique des cinémas chinois, français, et japonais.
1915. L’équipage d’un sous-marin allemand, sous le commandement du capitaine-lieutenant Liers, part de nouveau en mer après une permission…
Gustav Ucicky (1899-1961), fils illégitime de Gustav Klimt, grandit à Vienne où il devient dès les années 20 un chef-opérateur reconnu – il conservera par la suite une image de cinéaste technicien aux films impeccables. Sa carrière, à son arrivée en Allemagne en 1929, chemine bientôt aux côtés du IIIè Reich, pour qui il réalise des films propagande voilés (Jeanne d’Arc) ou plus explicites (Heimkehr). Sa filmographie n’a cela dit pas toujours un rapport d’adhésion évident au nazisme : son grand succès nationaliste Morgenrot chante ainsi la défaite (certes au profit d’une élégie du sacrifice pour la patrie), et se montre sévère avec la jubilation guerrière ; Le Maître de Poste, considéré son meilleur film, semble lui totalement étranger au conflit mondial qui éclate alors, allant fantasmer la Russie passée… Archétype du cinéaste de studio, docilité politique comprise, il s’endormira après-guerre dans une production routinière et inoffensive, notamment composée d’Heimatfilme.
L’UFA, ou « Universum Film AG » (1917-1945), fut le studio européen le plus puissant de l’entre-deux guerres. Créé au beau milieu du conflit a des fins de propagande (ce qui explique ses gigantesques moyens), il devient un véritable colosse une fois la guerre terminée (c’est par exemple le premier studio au monde à procéder à l’intégration verticale de ses différentes activités), attirant à soi les talents danois ou autrichiens, et produisant tous les cinéastes majeurs de l’âge d’or du cinéma allemand (Lubitsch, Lang, Murnau, Pabst…). Mise en difficulté à la fin du muet par Hollywood, qui lui vole ses réalisateurs, l’UFA connaît un regain de prospérité économique sous les lois protectionnistes du régime nazi, qui normalise la production jusqu’à finalement nationaliser le studio en 1937.
Allemagne (réalisateur autrichien) / 1h20 / Imdb / DVD Titre original : Morgenrot
Dans un quartier populaire de Paris, Albert, un chanteur des rues sans le sou, habite une chambre sous les toits. Il rencontre la belle roumaine Pola dont il tombe amoureux, mais il n’est pas le seul dans ce cas… (ouverture du film)
René Clair (1898-1981), qui fut aussi romancier et metteur en scène de théâtre, est surtout retenu par la cinéphilie contemporaine pour son premier coup d’éclat, Entr’acte (1924), un court-métrage dadaïste. Mais il fut longtemps plus connu comme réalisateur majeur des débuts du cinéma parlant, en une série de comédies cultivant (et popularisant à l’étranger) l’image d’un Paris populaire et bon vivant, et dont les expérimentations ou trouvailles posèrent les tous premiers jalons et principes du cinéma sonore (ce qui lui vaudra l’admiration de plusieurs cinéastes internationaux – dont Chaplin, qui s’inspirera explicitement de son film À nous la liberté). Le succès se tarit pour lui dans la deuxième moitié des années 30 : René Clair passe alors d’abord par Londres, puis par les USA pour fuir la guerre (il tournera sept films à Hollywood), avant de finalement revenir en France, devenant sur le tard l’un des représentants exemplaires du cinéma de studio national.
François vient d’assassiner Valentin. Au comble du désespoir, il s’est barricadé dans son appartement. Tandis que la police l’assiège, il se repasse en pensée les événements qui l’ont conduit au crime…
Marcel Carné (1906-1996), d’abord assistant de René Clair et de Jacques Feyder, réalise avec Quai des brumes (1938) un film extrêmement influent. Il devient alors le maître du réalisme poétique – ce genre français qui, dans les années 30 et 40, mélangea un réalisme ouvrier et prolétaire, aux dialogues gouailleurs très écrits, avec une ambiance maudite et poisseuse, aux accents presque fantastiques. On lui reprocha parfois, par la suite, un tableau complaisant du Paris populaire, ou encore d’avoir moins été metteur en scène qu’un habile réunisseur de talents (Prévert aux dialogues, Trauner aux décors, Jaubert à la musique…). Sa filmographie régulièrement attaquée (en premier lieu par la Nouvelle vague), et tout aussi régulièrement réhabilitée, reste un élément central de l’histoire du cinéma français.
À l’avènement du cinéma parlant, Chester Kent, producteur et metteur en scène de spectacles musicaux, se retrouve sans travail. Il décide alors de monter des prologues destinés à passer en première partie des films…
Busby Berkeley (1895-1976) fut le grand chorégraphe (et réalisateur de ces séquences chorégraphiées) du premier âge de la comédie musicale, qui porte indéniablement sa marque. Ancien sous-officier instructeur de l’armée, il créée d’immenses tableaux humains synchronisés, et souvent glacés (filles toutes semblables, grands sourires, décors frisant l’abstraction art déco…), qui utilisent les corps en gigantesques géométries humaines – inventant par la même occasion un arsenal d’idées de mise en scène (plongées totales, forts jeux de contrastes) pour s’y confronter.
Lloyd Bacon (1889-1955), après avoir exercé plusieurs années comme acteur (notamment chez Chaplin), devint un cinéaste extrêmement prolifique (près de 100 longs-métrages en trente ans) participant avec d’autres à construire le « style Warner » (ce style brut, nerveux, rapide, qui fit la renommée du studio). Il reste surtout célèbre pour ses comédies musicales des années de grande dépression (42e rue, notamment) – films où son style énergique, rythmé, épousant la vitalité du jeu des acteurs, complémente idéalement les grands numéros de Berkeley.
USA / 1h44 / Imdb / DVD Titre original : Footlight Parade
En se rendant à la foire aux servantes du village, Karsten Dittmar assiste à une scène singulière : au tribunal a lieu le procès d’Helga Christmann, de la ferme du marais, qui supplie son ancien employeur de reconnaître l’enfant qu’elle porte. Karsten l’engage alors dans sa propre ferme…
Douglas Sirk (1897-1987), qui signa ses films allemands de son vrai nom (Detlef Sierck), débute sa carrière comme metteur en scène de théâtre. Embauché à la UFA en 1934, il rencontre ses premiers succès de réalisateur, mais fuit l’Allemagne nazie en 1937. C’est donc à Hollywood que se fera sa carrière, par une série de mélodrames à succès : des films au lyrisme intense, presque acide, oscillant entre idéalisme et satire féroce de la vie de banlieue américaine – mais surtout marqués par un usage baroque et excessif de la couleur, qui donnera son nom à la dernière période du genre (le « mélodrame flamboyant »).
Allemagne / 1h22 / Imdb / DVD Titre original : Das Mädchen vom Moorhof
Joe Wilson est injustement accusé de l’enlèvement d’une jeune femme. La foule, excitée par plusieurs meneurs, prend d’assaut et incendie la prison où il est enfermé. Mais au procès, plus personne ne semble se souvenir y avoir participé…
Fritz Lang (1890-1970), figure majeure du septième art, eut deux vies de cinéaste. La première en tant que réalisateur allemand : il est alors l’un des maîtres du cinéma expressionniste (dont il réalisera, avec Metropolis, l’une des œuvres majeures). Fuyant le tapis rouge que lui déroule le pouvoir nazi, il devient cinéaste Hollywoodien en 1936. Moins marquée visuellement, mais tout aussi précise, cette deuxième période révèle plus lisiblement l’essence du cinéma de Lang : celle d’une œuvre penchée sur la question du mal, abordé comme une affaire logique, voire mathématique. L’obsession pour la vérité et ses apparences, pour la question du jugement, ou pour les formes de la manipulation, complètent les motifs d’une filmographie qui retournera finalement en terres allemandes en 1958, pour trois derniers longs-métrages.
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