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Aveyron, 1798. Dans la forêt, des paysans surprennent un enfant sauvage d’une dizaine d’années, et le capturent, pour le livrer à l’institut des sourds-muets de Paris. Un jeune médecin, Jean Itard, demande alors la charge de l’enfant et l’emmène chez lui, où il va tenter de tout lui apprendre, du moindre geste à la parole…
François Truffaut (1932-1984) fut d’abord un jeune et célèbre critique (à Arts-Spectacles et aux Cahiers du cinéma), dont les thèses acerbes furent très influentes ; puis il fut la tête de proue, avec son ami Jean-Luc Godard, de la Nouvelle vague française (Les Quatre Cents Coups, 1959) ; et enfin un cinéaste majeur du cinéma des années 60 et 70. Si l’on retient souvent de lui ses influences (Renoir, Rossellini, Hitchcock), ses thématiques (rapport à l’enfance, séduction et femmes fatales), ou encore ses films cousins (les quatre opus d’Antoine Doinel, ses films séries noires…), sa plus grande force fut son style énigmatique : humble et discret d’apparence, économe et presque trop limpide, désarmant dans sa littéralité (à l’image de la neutralité bizarre son propre jeu d’acteur) – mais dont le ton lunaire cumulant les rimes et répétitions, les ellipses narratives, ou les réflexes issus de la littérature, évoque une ballade dans les tréfonds de l’inconscient. Truffaut meurt prématurément à 52 ans, laissant de nombreux projets inachevés derrière lui.
Leopold Kessler, jeune Americain d’origine allemande, débarque à Francfort en 1945, dans une Allemagne ravagée par les bombardements alliés. Il veut contribuer a la reconstruction du Vieux Continent, mais autour de lui, les blessures de la guerre tardent à se refermer… (ouverture du film)
Lars von Trier (1956-) est l’un des formalistes les plus influents du cinéma contemporain. Nourri par l’œuvre de Dreyer, Bergman ou Tarkovski (qu’il reformule sur un mode plus ludique et imagier), mais aussi par le cinéma d’Orson Welles, Lars von Trier eut très tôt un goût pour l’invention de concepts, de règles narratives et formelles auxquelles se plier (comme en témoignent ses nombreuses trilogies), et dont le « Dogme 95 » représenta l’apogée médiatique. Le déclic et la césure que représente, dans sa filmographie, la série L’hôpital et ses fantômes (1994), l’amène à des tournages plus instinctifs et à un nouveau rapport aux comédiens, dont les performances dès lors très remarquées (et obtenues par des moyens parfois controversés) devinrent l’un des traits caractéristiques de sa filmographie. Son goût pour la provocation, voire pour l’auto-sabotage, ont parfois fait de l’ombre à ce que son cinéma a de plus profond – obsessions politiques et historiques, dépression et peur de la frigidité, rapport sadique à ses propres personnages.
En se rendant à la foire aux servantes du village, Karsten Dittmar assiste à une scène singulière : au tribunal a lieu le procès d’Helga Christmann, de la ferme du marais, qui supplie son ancien employeur de reconnaître l’enfant qu’elle porte. Karsten l’engage alors dans sa propre ferme…
Douglas Sirk (1897-1987), qui signa ses films allemands de son vrai nom (Detlef Sierck), débute sa carrière comme metteur en scène de théâtre. Embauché à la UFA en 1934, il rencontre ses premiers succès de réalisateur, mais fuit l’Allemagne nazie en 1937. C’est donc à Hollywood que se fera sa carrière, par une série de mélodrames à succès : des films au lyrisme intense, presque acide, oscillant entre idéalisme et satire féroce de la vie de banlieue américaine – mais surtout marqués par un usage baroque et excessif de la couleur, qui donnera son nom à la dernière période du genre (le « mélodrame flamboyant »).
Allemagne / 1h22 / Imdb / DVD Titre original : Das Mädchen vom Moorhof
La vie de deux frères est bouleversée par la réapparition de leur père, qu’ils ne connaissent que par une photographie vieille de douze ans… (ouverture du film)
Andreï Zviaguintsev (1964-), qui fut d’abord acteur au théâtre, connut un succès international avec son premier film, Le Retour, lion d’or à Venise. En découle une filmographie sévère, extrêmement marquée par le cinéma de Tarkovski (lenteur, importance de la nature, iconographie religieuse…), mais posant aussi un regard moral et féroce sur la Russie contemporaine, dépeinte comme un monde corrompu et déshumanisé, ayant perdu tout contact avec sa spiritualité.
Russie / 1h50 / Imdb / DVD Titre original : Vozvrashchenie
Walter R. Booth (1869-1938), avant d’être cinéaste, fut magicien de métier – et on peut aisément le deviner devant ses films à trucages, alliant la fluidité de la prestidigitation à un goût prononcé pour l’absurde et le fantastique. Influencé par Méliès, il travailla d’abord pour les productions R.W. Paul, dont il réalisera parmi les films les plus emblématiques, puis pour Charles Urban à partir de 1906. Il réalisera aussi, avec The Hand of the Artist (1906), ce qui est considéré comme le premier film britannique animé.
R.W. Paul (1869-1943) fut un pionnier du cinéma britannique, et l’une des figures phares de l’École de Brighton. Fabricant d’appareils cinématographiques calqués sur le Kinetoscope d’Edison (c’est pour les fournir en films qu’il se mit à la réalisation), puis de projecteurs inspirés de ceux de Lumière, il bâtira également le premier studio du pays. Producteur explorant toutes les dimensions naissantes du medium (documentaire, comique, spectaculaire…), innovant sans cesse avec de nouvelles machines, il se lassera du cinéma pour finalement retourner, en 1910, à ses travaux d’électicien.
Après avoir volé un collier, un jeune voyou, Walter, et sa complice, Francesca, se mêlent à un convoi de travailleuses, les « mondines », qui part vers les rizières. Mais étant sans contrat, comme d’autres femmes arrivées sur place, Francesca n’a pas le droit de travailler…
Giuseppe De Santis (1917-1997) accompagne d’abord le néoréalisme comme critique, puis comme co-scénariste (pour Visconti), avant de passer à la réalisation en 1945. Si son cinéma se démarque des autres films du mouvement par un ton politiquement engagé, et des revendications sociales clairement exprimées, il réalise aussi avec Riz Amer, grand succès international, l’un des films les plus sensuels et incarnés du courant. Il tombe en disgrâce critique au cours des années 50, et peine de plus en plus à produire ses films – il ne tournera plus après 1972.
Italie / 1h48 / Imdb / DVD Titre original : Riso amaro
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